Os anos sessenta tornaram-se a década das subculturas juvenis, da moda excêntrica de “papel” e “plástico” e do minimalismo. Adolescentes europeus e americanos protestaram contra as políticas dos seus países, demonstrando uma atitude negativa em relação à sociedade de consumo com a ajuda de roupas em segunda mão. Ignorar os modelos de grife dos jovens não impediu a estreia de destaque de Yves Saint Laurent e Valentino Garavani, que também ocorreu nos “loucos anos sessenta”. “Se você se lembra dos anos 60, você não estava vivo naquela época”, disse o produtor do The Doors, Dick Wolf.
"Quanto mais louco melhor!"
Talvez a tendência da moda mais extravagante da década de 1960 tenha sido o estilo espacial. Em 1961, e isso influenciou não só o desenvolvimento da ciência, mas também da moda. Os designers foram inspirados por novas perspectivas e começaram a criar modelos bizarros e “alienígenas”. O pioneiro da "moda espacial" foi o estilista Andre Courrèges, cujos fãs usavam botas lunares e Oculos de sol em forma de bolas de tênis. Courrèges criou vestidos curtos e infantis, decorando-os com lantejoulas brilhantes e acessórios inusitados.
Para esses modelos, materiais artificiais em vez de naturais revelaram-se mais adequados - sintéticos, plástico, vinil. Os estilistas decoraram os vestidos com discos de vinil e os usaram para fixar os elementos do maiô. O metal também foi usado como material. É claro que macacões brilhantes, capacetes de formatos bizarros e protetores para os olhos não se enraizaram nas ruas, mas as passarelas da época estavam cheias de modelos “espaciais” inusitados, criados por estilistas famosos e.
A moda das fibras sintéticas transformou-se gradualmente numa tendência para criar roupas a partir de materiais que antes eram utilizados para fins completamente diferentes. Os designers experimentaram materiais feitos para trajes espaciais, roupas esportivas e uniformes militares. As modelos desfilaram na passarela com roupas feitas de vinil e dacron, que, comparadas à moda parisiense conservadora das décadas anteriores, pareciam super originais e até revolucionárias. A excentricidade dos looks propostos pelos estilistas foi considerada um diferencial - para muitos, a década de 1960 passou sob o lema: “Quanto mais maluco melhor!” Junto com as tendências do “plástico” e do “vinil”, também ocorreu um “boom do papel” no mundo da moda nesse período.
Em 1966, nos EUA, a fábrica de Scott passou a produzir roupas além de utensílios domésticos de papel. Os modelos de papel vieram em duas cores – preto e branco e amarelo-preto-vermelho. A coleção chamava-se “Explosão de Cor” e era recomendado trocá-la com uma tesoura e repará-la com uma folha de papel. Um vestido semelhante podia ser usado até cinco vezes, e modelos de “papel” eram vendidos em lojas especiais. Os fabricantes apresentaram os novos trajes como a personificação de uma ideia brilhante e inovadora e de uma obra de arte moderna.
Tendo aderido à nova tendência na produção em massa, os designers começaram a criar modelos de papel. Os jornalistas e o público apelidaram Eliza Dabbs e Harry Gordon, que produziam vestidos por três dólares cada, de “costureiros de papel”. No entanto, nem todos os designers eram tão democráticos - muitas vezes os preços dos modelos de papel podiam ser comparados aos dos trajes de alta costura. Em Nova York, na Madison Avenue, foi inaugurada a boutique Paraphenalia, que vende roupas super fashion de plástico e papel. “Quem trata as roupas com pathos é nojento. Afinal, são apenas roupas. Devem ser engraçadas, não podem ser levadas a sério”, disse um dos fundadores da Paraphenalia, Paul Young, que foi cofundador da boutique cult. , expressou os sentimentos entre os jovens.
Arte na moda
Tendo como pano de fundo a popularidade das pinturas “Garrafas Verdes de Coca-Cola” e “Latas de Sopa Campbell”, Warhol começou a transferir seus famosos desenhos para o tecido Criando roupas a partir de seus próprios esboços, ele lançou os agora famosos. vestidos populares Camisas “Bottle”, “Fragility”, “Campbell Soup” Outros designers também usaram designs de estilo pop art em seus modelos, tornando a transferência repetida de objetos familiares para o tecido uma das tendências da moda mais marcantes da década de 1960.
Se a influência do cinema na moda se fez sentir nas décadas anteriores, a pintura penetrou na indústria da moda apenas na década de sessenta. Outra tendência que se refletiu amplamente nas roupas de massa foi o estilo op art. As pinturas feitas neste estilo baseavam-se em efeitos de iluminação e no contraste do preto e flores brancas. A tendência de expressar sentimentos humanos através de efeitos ópticos começou na década de 1950 e se generalizou em meados da década de 1960. Telas contrastantes em preto e branco muitas vezes deixavam os espectadores tontos, e os designers de moda eram atraídos pelo estilo op art por sua simplicidade gráfica e novidade. Normalmente, esses modelos de roupas eram de corte simples, o que, no entanto, era mais do que compensado pelas formas geométricas distorcidas, círculos estilizados e espirais e listras monocromáticas representadas no tecido. “A nova onda de design em tecido foi chamada de op art. A arquitetura moderna e a pintura tornaram-se a base do design. Não sobrou nenhum traço de romantismo”, escreveu a revista Neue Mode em 1966.
A nova moda, um tanto excêntrica, era extremamente popular entre os adolescentes. Entre os designers de moda que se inspiraram nas novas tendências da pintura estavam Larry Aldrich, Andre Courrèges,. Este último, em 1965, apresentou ao público uma coleção baseada na obra de um dos fundadores da pintura abstrata, Piet Mondrian. Os estilistas ofereceram uma grande variedade de acessórios malucos e contrastes de cores, mas foi a justaposição do preto e do branco que se tornou o verdadeiro hit da década. Desde a década de 1960, os designers têm constantemente se inspirado em outras formas de arte, confirmando assim que a beleza não é uma categoria constante, mas variável.
"Radical chic" e o estilo das subculturas
Juntamente com as capitais mundiais da moda, Paris e Milão, Londres começou a ditar o seu estilo na década de 1960. As principais publicações chamaram a capital inglesa de um novo centro de estilo e moda, e os designers britânicos, desafiando a conservadora Paris, ofereceram modelos extravagantes que se tornaram um verdadeiro símbolo da década.
Após o fim da Segunda Guerra Mundial e a superação da crise, a situação financeira nos países europeus começou a melhorar. Os jovens dedicaram mais tempo à música, ao cinema e a outros entretenimentos. Foi assim que a moda americana de jeans e jaquetas de couro penetrou no estilo londrino, e os emigrantes das ex-colônias britânicas trouxeram o estilo da Índia Ocidental para a capital da Inglaterra. A nova direção, formada sob a influência de diversas tendências e culturas, era voltada principalmente para os adolescentes. Nas ruas de Londres daquela época era possível encontrar tanto jovens em trajes étnicos quanto “rebeldes” em camisetas e jeans desbotados. Em 1966, a revista Time publicou um artigo intitulado "London - Swing City". No final da década, foram lançados filmes que refletiam o espírito revolucionário da época: Blow-Up, de Michelangelo Antonioni, e O Espetáculo, de Nicolas Roeg. Ao mesmo tempo, surgiram lojas de varejo na Carnaby Street, que se tornou um lugar icônico na “Londres agitada”. Na década de 1960, as boutiques ofereciam designs revolucionários aos jovens e a rua tornou-se famosa em todo o mundo como um centro de moda independente.
Os sentimentos rebeldes dos anos cinquenta transitaram para os anos sessenta. Nesse período, até mesmo adolescentes de famílias ricas se vestiam em brechós, enfatizando sua exclusividade e protestando contra a sociedade de consumo. Nas grandes cidades, os mercados com roupas retrô se popularizaram; os adolescentes não tinham medo de combinar coisas antigas de diferentes épocas, sem se preocupar com a moda. Enquanto os jovens ricos demonstravam a sua subcultura vestindo deliberadamente roupas velhas, para os adolescentes de famílias pobres esta tendência tornou-se uma oportunidade de se conformarem às tendências e não gastarem dinheiro. O espírito rebelde, porém, foi ridicularizado por muitos jornalistas, que consideraram a pobreza estilizada uma paródia da pobreza real. O escritor americano Tom Wolfe falou dos jovens como crianças caprichosas brincando de revolução e chamou o próprio estilo de roupa de “radical chique”. Os designers de moda, tentando agradar a mudança de gostos, começaram a criar modelos no estilo dos anos 30 e 40, mas as roupas de grife “retrô” não eram muito populares - a contracultura ignorava a moda.
A rejeição do estilo feminino e de todas as tendências populares nas décadas anteriores levou ao movimento mais vibrante e massivo da segunda metade dos anos sessenta - os hippies. “Filhos das flores” que promoviam o amor e a paz e que discordavam das políticas dos seus estados vestidos com roupas exóticas trazidas de outros países: ponchos sul-americanos, túnicas indianas e toucados esquimós. Os trajes brilhantes e ricamente bordados dos hippies foram complementados com joias enormes - principalmente pulseiras e cintos indianos. A filosofia hippie tornou-se tão popular que muitos designers de moda notaram o declínio do funcionalismo. “Em contraste com os estilos romântico e art nouveau, os estilos folclóricos e esportivos, juntamente com roupas mexicanas coloridas, estão desfrutando de um sucesso extraordinário hoje”, escreveu a revista Neue Mode. Motivos indianos incomuns, brilhantes e atraentes capturaram toda a Europa e América na década de 1960, e os jovens agora usavam jaquetas “Yeti”, saias coloridas, calças largas, calções turcos, camisas bordadas e longos casacos de pele. Apesar do fato de os próprios representantes das subculturas serem céticos em relação à moda, publicações brilhantes escreveram que um novo estilo merece muita atenção e é capaz de ter um sério impacto na indústria da moda.
No final da década, roupas psicodélicas brilhantes feitas de materiais artificiais ficaram em segundo plano e o estilo militar tornou-se um verdadeiro sucesso. Uso de itens militares em Vida cotidiana foi também uma espécie de protesto que se seguiu aos protestos que varreram a Europa em 1968: foi assim que os jovens tentaram dar um carácter pacífico às roupas destinadas às batalhas. A camuflagem com remendos ásperos foi decorada com símbolos da paz, as saias e os sapatos de estilo militar foram pintados de vermelho e cores rosa. Representantes de várias subculturas usavam essas roupas, e jaquetas grandes com símbolos da Força Aérea dos EUA eram especialmente populares. Ao mesmo tempo, os designers de moda começaram a experimentar o verde oliva, chamado cáqui.
A tendência ao minimalismo e o principal símbolo da década
Na década de 1960, as roupas confeccionadas com tecidos elásticos se difundiram. A ideia de que era inconveniente ter muitas coisas no guarda-roupa e que as mulheres poderiam facilmente conviver com apenas alguns modelos básicos visitou os designers de moda nas décadas de 1930 e 1940. Claire McCardell em 1934 propôs substituir a variedade de estilos e modelos por alguns elementos básicos, e no início da década seguinte foi a primeira a criar o collant - um collant com mangas compridas - e fez dele a base da imagem. Coisas básicas O guarda-roupa do estilista incluía gola alta preta e meia-calça. A ideia de combinar várias peças simples tornou-se verdadeiramente popular na década de 60, quando as mulheres eram incentivadas a ter apenas top, casaco, saia e calças no guarda-roupa.
Reduzir ao mínimo a quantidade de roupas nesse período tornou-se possível graças ao advento dos tecidos elásticos. Na década de 1960, o estilista Giorgio di Sant'Angelo começou a buscar novas formas de criar tecidos. Ele trabalhou com lã e fio acrílico, e também inventou a seda elástica que se esticava em qualquer direção. Tanto os trajes de banho quanto os tops de noite eram feitos de seda elástica e lycra. O figurinista Jacques Fonterey escreveu em 1968: “Estou confiante de que o collant, ou uma de suas variedades, se tornará a peça básica do futuro”. Fonteray tinha razão: foram os modelos elásticos da década de 1960 que serviram de base para a criação roupas modernas- desde fatos de treino a vestidos de noite.
A década de 1960 se tornou mais uma década que mudou completamente as ideias sobre padrões beleza feminina. Se depois da guerra os estilistas focaram nas mães de família e nas mulheres com curvas, então nos anos 60 a androginia voltou à moda, e a famosa tornou-se símbolo de novos padrões de atratividade. Uma adolescente magra com olhos ingenuamente abertos apareceu nas capas das principais publicações de destaque, e meninas de todo o mundo começaram a seguir dietas rígidas, querendo ser como seu ídolo. Twiggy se tornou a primeira modelo cuja imagem personificava os ideais da década; os estilistas criaram roupas para meninas muito magras com figuras de menino. Ela apareceu em revistas de moda e em pôsteres com minissaias e vestidos Mary Quant e incorporou o estilo "boneca" que era extremamente popular na década de 1960. Junto com seus fãs, Twiggy também tinha malfeitores - muitos jornalistas a chamavam de uma garota dolorosamente magra e “faminta”, mas isso não impediu a disseminação da moda da androginia - nos anos 60, os homens costumavam ir com cabelo longo e as mulheres jovens preferiram cortes de cabelo curtos e minivestidos, expressando assim relutância em crescer.
Estreias de alto nível da década de 1960
Os anos sessenta marcaram o início de uma carreira brilhante, que se declarou ruidosamente no início da década. Em 1957, após a morte de Christian Dior, Saint Laurent, de 21 anos, assumiu diretor criativo Casas de Dior. Porém, já em 1960, o jovem estilista criou sua última coleção para a marca: os executivos da Dior decidiram que o jovem estilista não tinha o direito de impor aos fãs da alta costura estilo de rua, e despediu-se de Saint Laurent. Dois anos depois, o costureiro lançou sua primeira coleção sob próprio nome, para o qual criou um blazer trespassado com botões dourados e calças de seda. Mais tarde, o próprio estilista e muitos outros estilistas utilizaram esse modelo.
Yves Saint Laurent foi um dos primeiros estilistas que não teve medo de criar roupas revolucionárias no estilo da op art e da pop art, e também ofereceu smokings para mulheres e looks no estilo “África” e “Safari”. Ele combinou com ousadia as cores mais vivas, complementando um vestido rosa choque com uma jaqueta canário, combinando preto com marrom, laranja com vermelho e roxo com azul.
Outra estreia de destaque da década foi a aparição no mundo da moda do “xeque do chique” italiano Valentino Garavani. Educado em Paris, ele retornou à sua Itália natal no final dos anos 1950, onde abriu uma casa de moda que apresentou ao mundo seus agora lendários vestidos vermelhos. Vestidos brilhantes tornou-se o “cartão de visita” de Garavani, e o estilista distinguiu trinta tons de vermelho. A estreia internacional de Valentino aconteceu em 1962, e em 1968 foi lançada sua famosa “coleção branca”, composta inteiramente por peças brancas. Ao mesmo tempo, o estilista utilizou pela primeira vez o logotipo “V”. Os vestidos femininos de Valentino tornaram-se símbolos de uma vida luxuosa, e as estrelas de Hollywood inundaram o costureiro com encomendas. Em 1968 vestido de renda de Garavani, em que se casou com Aristóteles Onassis, apareceu nas páginas de quase todas as principais publicações.
Gae Aulenti
Nasceu na Itália em 1927.
Excelente arquiteto e designer.
Na década de 60, ganhou fama como designer, criando diversas obras marcantes. O conceito popular de cinética se reflete no design da mesa Tour Fontana Arte (1970).
Em 1985, juntamente com Piero Castiglioni, Aulenti desenvolveu os sistemas de iluminação Cestello. Em aparência Você também pode adivinhar as características da op art a partir dessas lâmpadas poderosas e exclusivas.
Além disso, foram desenvolvidos especificamente para salas de exposição e museus.
Desenvolvimento de vasos de flores
Shiro Kuramata (1934-1991)
O designer japonês e seus compatriotas foram, em muitos aspectos, uma geração de extraordinários revolucionários do design.
Em 1970, ele criou um formato inusitado para uma cômoda e chamou sua criação de Gavetas na Forma Irregular. A tecnologia era complexa, então apenas 18 anos depois a empresa Capellini começou a produzi-la.
A cadeira Quão alta é a lua foi projetada em 1986 e tem um nome muito poético - “Quão alta é a lua”. A malha é o material favorito de Kuramata. O brilho frio das células lembra a luz noturna da lua.
Outros nomes (é ousado dizer que estas criações foram influenciadas em maior medida pela op art. Talvez aqui se expressem as técnicas da arte óptica, mas não o estilo puro dos anos 60 em si).
A.Taylor. Mesa de centro borboleta
E finalmente, meu tópico favorito
Nos anos 60, os jovens lutavam pela liberdade e emancipação. A partir de agora, meninos e meninas queriam ter uma aparência brilhante e extravagante. O forte contraste das manchas pretas e brancas, a estampa atraente - tudo isso deixou uma impressão inesquecível. foi a melhor maneira de destacar uma individualidade brilhante na multidão.
Talvez os fãs mais fervorosos da op art fossem a moda.
Mods - ou também “modernistas” - como a primeira subcultura apareceu em Londres no início dos anos 60. Eles se distinguiam pelas poses excessivas, andavam de scooter pelas ruas de Londres e se posicionavam como pessoas de gosto único. Os fashionistas foram os primeiros a conhecer novidades na área do design, da música e da arte e consideraram seu dever rodear-se de coisas elegantes.
O tema favorito dos caras ingleses era a op art. anos 60
O estilo Mod ainda é unanimemente reconhecido como o estilo dos anos sessenta, expresso nas roupas.
O estilo da moda é internacional. Também é popular aqui na Rússia. Há divertidas festas de moda em Moscou, onde as pessoas só podem usar roupas no estilo dos anos sessenta.
Os anos 60 estão associados ao nome da estilista Mary Quant. A jovem inglesa, que frequentava os círculos da juventude elegante de Londres, estava bem consciente do espírito da época. Ela incorporou em seus modelos todas as melhores tendências em roupas fashionistas. Embora, na verdade, a nova moda seja muito vestidos curtos e casacos, estampas geométricas e sapatilhas - foi pensado apenas para os jovens e esbeltos, no final dos anos 60 todas as mulheres vestidas assim. Juventude tornou-se um culto.
O cabeleireiro famoso Vidal Sassoon cria o mais recente penteado Mary Quant
Bazaar é a primeira loja de roupas Mary Quant na prestigiada área londrina de Chelsea
Mary Quant inicialmente usou um padrão real em seus modelos.
Padrões grandes e contrastantes eram mais adequados para vestidos retos e com corte A.
Ao mesmo tempo, uma turnê da banda cult The Who e a exposição The Responsive Eye aconteciam na América. Uma fusão das culturas americana e europeia ocorreu instantaneamente. A Op Art tornou-se agora extremamente popular entre os fashionistas europeus.
Em 1966, a Scott Paper Company inventou o vestido de papel, destinado a ser uma ferramenta de marketing publicitário. Por um dólar, as mulheres podiam comprar um vestido e também receber cupons de descontos nos produtos da empresa. O vestido de papel, disforme e pouco atraente, não era. uma invenção que merece crédito, mas as mulheres surpreenderam a empresa ao encomendar meio milhão desses vestidos ao longo de um ano. Muitas gostaram do vestido, que pode ser facilmente “recortado” simplesmente com uma tesoura, e também não se importa em jogá-lo. remova-o se ficar sujo.
A impressão com padrão óptico é um dos designs mais populares em vestidos de papel.
Bridget Riley e Victor Vasarely tinham opiniões opostas,
quando se tratava de comercializar seu trabalho. Embora Vasarely acreditasse que a op art deveria ser acessível a todos e os artistas deveriam até colaborar com empresas têxteis, Riley reagiu com irritação ao facto de o seu trabalho ser utilizado para fins comerciais. Ela acreditava que sua arte estava sendo transformada em “trapos vulgares” e uma vez expressou publicamente sua indignação com uma marca de Nova York. Ela entrou com uma ação judicial, mas sem sucesso.
Talvez os trabalhadores têxteis tenham sido os primeiros a apreciar a nova arte. As empresas fabricantes de tecidos contrataram jovens artistas para desenvolver padrões atuais. Novas possibilidades de sintéticos (transparência, brilho, materiais plásticos), suas propriedades ópticas permitiram expressar melhor as tendências da moda.
Bárbara Brown.
Design para tecido “Expansão”. A companhia de Heal. 1965
Na década de 60 surgiu o famoso padrão preto e branco de uma célula, que chamamos de “pé de galinha”. Na verdade, a estrutura da célula é composta por elementos modulares, com contorno semelhante à pegada de um pássaro. Esse padrão ainda é relevante hoje e é frequentemente usado em roupas clássicas de alta qualidade. Também decora a embalagem da eau de toilette Miss Dior da marca Christian Dior.
Talvez tenham sido os motivos da op art que influenciaram o estilo da marca Missoni. A empresa italiana foi fundada em 1953.
Os designers da Casa Missoni adoram brincar com o tema da op art no desenvolvimento de têxteis.
A arte op já causou choque e surpresa em meados do século 20. Agora se tornou um clássico e muitos designers encontram inspiração em suas abstrações em preto e branco.
Os modelos da coleção outono-inverno 2009-10 do jovem designer Kashio Kawasaki são dedicados ao trabalho de Bridget Riley.
O designer russo Vyacheslav Zaitsev gosta de abordar o tema da op art.
Foram apresentados vários modelos da coleção primavera-verão 2009
na Russian Fashion Week em Moscou.
O nome do estilo op art vem do inglês. “op art”, abreviatura de arte óptica - “arte óptica”. Este movimento neovanguardista de arte abstrata surgiu na década de 1950 e se difundiu na Europa e nos Estados Unidos na década de 1960. Tornou-se uma das alternativas intelectuais à arte pop da mídia de massa.
Artistas de Op Art como Victor Vasarély, Bridget Riley, Jesus Rafael Soto, Richard Anuszkiewicz e outros criaram ilusões ópticas espaciais e imitações de movimento em suas obras com a ajuda de formas geométricas simples que se repetem e fluem umas nas outras.
Embora tenha tido pouco efeito na arquitetura, a op art teve grande influência no design gráfico e na decoração de interiores. Assim, as paredes eram revestidas com papel de parede multicolorido com moiré e padrões concêntricos imitando movimento e vibração, ou decoradas com grandes painéis de parede (“Supergráficos”). Para aumentar visualmente o volume da sala, foram utilizados vários efeitos ópticos. Exemplos vívidos aqui são a famosa piscina pintada e a escada que nela desce com grades “reais”, bem como a “porta” ligeiramente aberta para uma sala inexistente. A ilusão de movimento espacial, elevação e fusão de formas foi alcançada com a ajuda de cores nítidas e contrastes tonais, repetições rítmicas, interseção de configurações espirais e treliçadas e linhas tortuosas. Mudando as instalações de luz, foram frequentemente utilizados designs dinâmicos, materiais com superfície reflexiva (metal, vidro, plástico) e vários tecidos.
O design do mobiliário foi dominado por linhas suaves e curvas, combinações de cores contrastantes (branco – preto). Na maioria das vezes era feito de materiais transparentes com superfície reflexiva (vidro, plástico, fios de metal entrelaçados na moldura).
Principais motivos:
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Oleg Lyugin, diretor de desenvolvimento da distribuidora MMS Cinema, explica por que uma empresa que produz alto-falantes para tocar música pode ser do interesse de designers e consumidores.
O estilo arquitetônico loft, que surgiu a partir de instalações industriais, oferece enormes oportunidades para a imaginação. É aqui, nos movimentados edifícios das antigas fábricas, que se produzem as ideias mais criativas.
Hoje, muitos lares russos têm uma sala separada para comer. Mas nem sempre foi assim. Qual a origem da cantina? Quem o inventou e por que desapareceu durante quase um século?
A produção em massa dos itens mais icônicos do cotidiano foi precedida por anos, e às vezes décadas, de pesquisa em engenharia. Apresentamos a você as invenções domésticas mais úteis da história.
Nos séculos anteriores, as decorações das árvores de Ano Novo simbolizavam a tradição do evangelho, depois a prosperidade e a riqueza. E no século 20, era possível aprender sobre acontecimentos importantes na vida do país a partir da decoração das árvores de Natal na Rússia.
Hoje em dia, quase todos os pais tentam reservar um quarto separado para os filhos. Mas, há relativamente pouco tempo, as crianças não tinham “apartamentos” próprios ou eram muito diferentes de hoje.
O nome vem do inglês. hi-tech, abreviatura de alta tecnologia - alta tecnologia. A alta tecnologia também é conhecida como estilo industrial. Nasceu na esteira do pós-modernismo na Grã-Bretanha.
Movimento de design pós-modernista que surgiu na Grã-Bretanha nas décadas de 1970 e 1980. Caracterizado pela recusa em projetar itens produzidos em massa em favor da produção limitada
O nome do estilo vem da abreviatura arte popular (inglês) - arte popular. O segundo significado da palavra está associado ao inglês onomatopeico. pop – golpe abrupto, palmas, tapa, ou seja, algo
O nome vem do francês. pós-modernismo - depois do modernismo. A principal característica desta tendência é o uso caótico de elementos emprestados de estilos históricos do passado.
O Grupo Memphis pós-moderno foi fundado em 11 de dezembro de 1980 em Milão pelos designers Ettore Sottsass, Andrea Branzi e Michele de Lucchi.
O termo remonta aos franceses. rococó, de rocaille - fragmentos de pedras, conchas. O Rococó teve origem na França na primeira metade do século XVIII. O seu apogeu (aproximadamente 1725-1750) ocorreu durante o reinado de
Estilo na arte e literatura europeia do século XVII - início do século XIX. O nome vem do lat. classicus - exemplar e expressa a essência do estilo: está focado nas formas da arte antiga como
O conceito principal deste estilo é a imitação das formas naturais e o uso predominante materiais naturais. Originou-se no estilo Art Nouveau no início do século XX.
O surrealismo (surréalisme francês - super-realismo) é um movimento artístico que se desenvolveu no quadro do modernismo no início da década de 1920 na França. O escritor e poeta é considerado seu fundador e ideólogo
Um estilo que existia na década de 1920 principalmente na Rússia (em arquitetura, decoração, arte de cartazes, arte teatral e decorativa, publicação, construção, design).
O estilo original da op-art (op-art é a abreviação de arte óptica) literalmente explodiu na moda, nascido do movimento pictórico de mesmo nome.
Quais são as características dos anos 60 do século passado? Talvez o principal seja o triunfo do espírito de liberdade e, como resultado, as minissaias, os tecidos sintéticos e a primeira publicidade de vanguarda. Portanto, foi então que nasceram vários estilos não triviais, que estavam destinados a revolucionar as ideias sobre moda. A Op Art também apareceu nessa época. Seu pai era o artista parisiense Vasarely, que utilizou uma técnica especial de impressão de aplicação de múltiplas camadas de tinta, criando um espaço tridimensional por meio de uma ilusão de ótica. A Op Art baseia-se em linhas, triângulos, quadrados, círculos... intrinsecamente entrelaçados, dando origem a novas formas.
Alguns negaram categoricamente o futurismo da op art, não aceitando a sua “artificialidade” e natureza ilusória, mas alguns dos costureiros mais ousados interessaram-se seriamente por um efeito tão invulgar e incorporaram-no nas suas obras. Andre Courrèges, Mary Quant e Larry Aldrich usaram de boa vontade o efeito óptico de novas estampas em seus modelos.
A arte op parece ótima hoje em roupas juvenis - dê uma olhada em colagens ou imagens de lendas do estilo em camisetas e bolsas. A geometria brilhante é o tema favorito de algumas estrelas pop, e até mestres como Franco Moschino são apaixonados pela op art. Mas na vida cotidiana você precisa ter cuidado com ele. Basta uma ou duas coisas ou um acessório com “efeito ilusório”; um look em full op art só serve para os mais novos, esguios e ousados. O principal é não exagerar. Aqui estão alguns modelos e looks da Burda no estilo op art que vão dar um toque alegre e excêntrico ao seu guarda-roupa habitual e te dar um ótimo humor.
O verão é um horário de pico para as fashionistas, pois é nessa época que você pode se permitir brincar com os looks sem se limitar a nenhuma proibição. Mesmo aqueles que têm um código de vestimenta rígido no escritório podem fazer alguns ajustes em seu código de vestimenta. Nesta temporada, além do brilho, das estampas florais, dos motivos esportivos e do fauvismo, os designers se oferecem para voltar sua atenção para a arte abstrata. Op art e desenhos caleidoscópicos permitirão que você brinque com a imaginação de outras pessoas!
Op art é frequentemente confundido com o termo pop art. Na verdade, a diferença é significativa. Pop art é cultura de massa, são estampas com imagens de pessoas famosas, são cores vivas e uma mistura de formas. O fundador desta tendência da moda foi Andy Warhol, que criou o conhecido retrato de Marilyn Monroe usando a técnica de serigrafia. Op art é a severidade das linhas e figuras geométricas, rapportação de padrões e tons contidos. E também - efeitos 3D volumétricos “de quebrar o cérebro”. Somente uma mulher corajosa se atreveria a usar isso: a atenção notável de outras pessoas com esse traje é garantida!
Origem do termo arte op
Op art é uma abreviatura do nome em inglês da forma de arte abstrata arte óptica. Ou seja, para criar roupas e imagens nesse sentido, utiliza-se uma estampa representando formas geométricas repetidas que formam uma ilusão de ótica, criando o efeito de imagem em movimento, volume, áreas salientes ou recuadas e protuberâncias. Opção interessante, não é?
Essa tendência surgiu na década de 60 do século passado. Seu fundador é considerado Victor Vasarely. A pintura de duas zebras deste artista abstrato em 1938 foi o começo nova tendência em arte. Ilusões de ótica- um engano de visão e pensamento, começou a ser usado ativamente pelos artistas.
Em 1966, Yves Saint Laurent pegou a ideia criativa e transferiu-a para a moda. Naquela época, a marca Hermes e os designers Mary Quant, Andre Courrèges e Larry Aldrich usavam a op art em suas coleções. As estampas ópticas conquistaram a simpatia dos amantes da moda, mas depois de um tempo eles se cansaram da criatividade excessiva, ficaram em segundo plano e deram lugar a outras tendências. A atenção às ilusões visuais foi retomada na década de 2000. Na temporada passada, a op art começou a ganhar popularidade e neste verão e outono é ainda mais relevante!
Op art hoje
A op art clássica é acromática, uma combinação de cores preto e branco. No entanto, hoje não é incomum ver impressões mais brilhantes e contrastantes com efeitos ópticos. Estes também podem incluir padrões caleidoscópicos. A repetição de motivos, interseções, ilusões de cores, o engano através do jogo com formas e tamanhos são traços característicos da tendência da op art na moda. As próprias linhas geométricas da estampa complicam a silhueta, por isso as roupas nesse estilo têm um design simplificado.
O que vestir com itens de estilo op art? O ideal é combinar blusas e tops com estampas ópticas com calças e saias lisas, e calças ilusórias criativas, na mesma lógica, com um top simples. As regras foram feitas para serem quebradas - os designers decidiram e sugeriram que os fashionistas combinassem diferentes motivos de op-art em um look (por exemplo, listras e bolinhas, diamantes e círculos, ziguezagues suaves e linhas nítidas, listras e estampas caleidoscópicas). A aparência total da op-art também é bem-vinda.
Se um visual totalmente op-art não é sua praia, adicione um ou dois toques temáticos ao seu visual, como sapatos de bico espiral ou uma bolsa extravagante neste estilo.
Na temporada primavera-verão, muitos designers prestaram atenção aos motivos da op art. A marca Edun apresentou uma coleção fascinante. As modelos desfilaram na passarela em estilo op-art com calças largas, saias leves, shorts e ternos de duas peças com padrões ornamentados de triângulos, listras e quadrados.
Muito ideias interessantes podem ser vistos na coleção de Martin Grant: geometria preto e branco, saias volumosas, silhuetas elegantes. A escolha de verdadeiras damas!
A marca apresentou ao público uma interessante coleção de verão. Os tecidos mais finos com pequenas listras não são exatamente a op art clássica, mas “quentes”, o efeito dessa combinação é incrível. Vestidos de verão leves, vestidos longos e translúcidos até o chão, maxi saias leves de várias camadas - solução perfeita para looks de verão.
A tendência da op art na temporada primavera-verão 2014 foi apoiada por sua coleção de vestidos, calças e macacões com graciosos ziguezagues, cachos e ondas. A marca Roccobarocco apresentou casacos, vestidos e calças em pequenos xadrez coloridos, além de maxi vestidos de verão exuberantes e incrivelmente lindos com listras - uma combinação de listras e ervilhas “tamanho misto”, Tegin – vestidos formais com linhas retas dobradas em diferentes ângulos, Viva Vox – roupas alegres com pequenas inserções de op-art.
Talbot Runhoff adicionou ternos e vestidos incrivelmente interessantes com pequenos padrões de op-art à sua coleção, a marca Raoul ofereceu uma estampa com grandes ziguezagues, a marca agradou com padrões geométricos multicoloridos e motivos caleidoscópicos - não tenha vergonha de escolher!
A arte óptica em diferentes interpretações também está disponível em coleções sazonais de,
Lista impressionante, não é? Se tantos designers deram vida à mesma ideia, ela pode sem dúvida ser incluída na lista das tendências atuais!
Vamos nos inspirar no que vemos e criar nossas próprias imagens!
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